Hipólito Restó & Arte

The dimensionalismo of Francisca Blázquez in Buenos Aires.

2009-10-28T02:39:52+00:00

Francisca Blázquez presents, for the second time in Hipólito Restó & Arte of the city of Buenos Aires Dimensional exposure term coined by the creator of Madrid in 1998 and lets look into the more elegant side of life, the structural side, through which finds evidence of formality that runs the propensity towards light, towards spirituality and the rise of love and loving.

Francisca Blazquez is a creative innovation, betting on the beauty in moments of crisis in which everything is questioned, but at the same time is able to clearly see the light at the end of the tunnel because there is no single truth, but in Instead, the magic of the maze is endless. Born in Madrid, creator of dimensional new theory that is based on travel through dimensions to find a better understanding of the spiritual dynamic, energetic, bright, mental and astral. Essentially painter but also jewelry, sculptor, writer, photographer, draw, create net.art, digital animations, installations and assembly.

His work is the mathematics of the universe, is also interested in the transparent, from forms that sometimes are crystallographic structures such as the recent series on the size of the water or submerged in the investigation of the formal complexity in which notes the strength of the lighting and the evocative power of superb architecture that connects us to the allegory of the soul deep inside. An allegory, which is symbiosis of strength and expression, determination and moments of great spiritual receptivity. With more than 366 solo and group exhibitions in 17 countries and continents, painterly creation is best represented in international collections: Newman Foundation of Chicago, Museum Marugame Hirai Japan JJ.00. Beijing, Madrid Argentaria Foundation, Union Bank of Switzerland, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, Grupo Duplex, Eurodesign, Swiss Banking Corporation, etc..
He works in acrylic on canvas, seeking balance, in symmetry, highlighting the beauty of the structures, making the color intensity in galactic environments, cosmic, spiritual, angelic, elemental and sensitive.

His work is a hymn to the spiritual in an era of change, when we are all vibrating at a different level of how we have been to date. All this results from a complex and convoluted dynamics raised by the excessive consumerism, the destabilization of the environment and the lack of clearly oriented romantic and transcendent sensitive, crucial issue for Frances and that is clearly reflected in their production. The work of the artist in Madrid will be on display until October 30, 2009 in the space of diffusion Hipolito Resto & Arte de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Together, Blázquez sets of 1 to 15 October in Current Gallery Lisbon Portugal.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
www.joanlluismontane.net
Hipólito Restó & Arte
Sarmiento 948
Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina
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Débora Trachter, Arte Digital.

2009-09-28T02:48:10+00:00

Hipólito Restó & Arte

Buenos Aires

Argentina

Setiembre 2009

Débora Trachter, Arte Digital,diálogo entre la abstracción y la geometría.

Nació en Buenos Aires en 1959.

En 1978 comenzó fotografía en el Fotoclub Buenos Aires y realizó varias exposiciones colectivas.

Estudió dibujo y pintura. Hace unos años descubrió el Net – Art, transformándose en un nuevo lenguaje, y creo que para el espectador también.
Realizó dibujos de cuentos infantiles para España. Está preparando el libro “Lugares Deborianos”, retratos de los lugares que visita, a los cuales les agrega su impronta.

Con el arte digital trata de hacer algo más pictórico, donde las sensaciones, emociones y climas es lo que se plasma en la obra terminada.

Sus obras se encuentran en Miami, Nueva York, Italia, España, Polonia, Rosario, Los Molinos (La Rioja) y Buenos Aires.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

La obra de Arte Digital de Débora Trachter dialoga entre la abstracción y la geometría, buscando en las superposiciones cromáticas, los difuminados y las transparencias, el dinamismo de lo complejo.

Crea obra pensando en y para la red de internet. Creación digital que emplea los recursos de la red, datos e ideas, conceptos y elementos, que forman parte de una determinada idiosincrasia en la que lo significativo es la dinámica informal, la percepción de lo delimitado y sintetizado.

El color es muy importante porque garantiza atmósferas, asienta espacios, que, sin embargo, poseen una gran libertad de ejecución, al margen de lo específico, en lo emblemático del término.

Porque no se interesa por ser coherente en lo racional, sino que deja fluir el inconsciente, para, luego racionalizar determinadas actuaciones, consiguiendo, de esta manera, una interactividad entre formas geométricas, la energetización cromática, la presencia de líneas rectas que inciden de manera repetitiva en el contexto del color produciendo contraste y buscando romper la voluntad armónica.

A veces, incluso, son también, partes de una asimetría buscada, para ir más allá de los límites, hasta alcanzar la formulación de la visión compleja del discurso digital fundado en la transformación de la forma en la dinámica del laberinto asimétrico, dentro de una contención espacial y compositiva hasta alcanzar cotas de singularidad específica e incluso aproximarse a momentos de tensión, que son sustituidos rápidamente por instantes de comprensión de la belleza calculada.

Plasma huellas, rastros de iconismos, formas que son parte de los espacios que genera, en el sentido de ser coherente con la transformación del contexto, en línea con la búsqueda de nuevos planteamientos en los que profundizar con determinación generando nuevos mundos de instantes matemáticos y físicos reconvertibles.

Hipólito Restó & Arte

Sarmiento 948

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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http://deboratrachter.blogspot.com/

Magdalena Clariá, la exuberancia y la expresividad sutil.

2009-09-28T02:34:16+00:00

Magdalena Clariá busca la exuberancia en sus conjuntos de flores, mostrando un predominio del primer plano, también de otros planos que nos aproximan a las partes superiores e interiores de las flores, preferiblemente rojas, que cubren la composición con su perfume cromático.

Todo ello para buscar la belleza de un lenguaje plástico, que renuncia al detalle, en función del color y el gesto, auténtico sesgo, que le confiere una impronta sugerente al conjunto de su obra nutrida de flores expresivas, alegóricas, casi simbólicas, pero, realistas, asentadas en el movimiento.

Su obra en acrílico es más gestual, de colores intensos, dentro de una síntesis escenográfica, para resaltar, especialmente, las flores, detalles de las mismas, siendo captadas como si fueran el resultado de momentos, de instantes profundos que se recrean consigo mismas para trasladarse a la voluntad específica de la naturaleza que consiente el avance hacia la consecución de lo concreto, específico y racional.

Sus acuarelas de flores son más sutiles, buscando el centro de la composición, la naturaleza cromática de tonos suaves, entrañables, casi íntimos, como si fueran partes de una mente interior que buscara la singularidad en las consecuciones insinuadas más emblemáticas.

Somos el resultado de momentos, de ahí que sus composiciones florales se alejen de lo académico, buscando el momento, el aura del instante, que capta el estadio, los sentidos, los estados de ánimo.

Construye a través del gesto, sin llegar al detalle excesivo, permitiéndose ciertas licencias para alcanzar una visión genérica de una realidad que transforma, para avanzar hacia la fantasía de la creación, coincidiendo con la belleza que encierra la naturaleza, interpretándola con recursos plásticos notables, tanto a nivel cromático, como de dibujo y composición.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Stella Sidi, fotografía e intervención digital, la dialéctica del objeto y la presencia artística.

2009-07-23T03:10:50+00:00

Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece se exponen en un Café Bar de Buenos Aires.

Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres.

El análisis de esos detalles llevó a Stella Sidi a investigar los momentos de distensión y reflexión que se siente cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales.

El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña.

Y…, no es el café que se toma en casa…, es el que nos acompaña fuera de ella…, quizás buscando la calidez del refugio.

En un trabajo de búsqueda de su identidad, durante más de un año tomó fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos.

En la post-producción, sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervino digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color.

Sidi, busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.

El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.

Investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, va más allá de la anécdota.

Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.

Realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura.

La muestra estará abierta al público hasta el 31 de Julio en el espacio alternativo de difusión Hipólito Restó & Arte donde los transeúntes pueden convertirse en cómplices de esta realidad dual según el observador que la aprecie.

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Diversidad de colores y texturas en las composiciones abstractas de Karina Bezchinsky.

2009-06-22T02:30:07+00:00

“Van Viniendo” una muestra de la artista Karina Bezchinsky, presentada en el espacio alternativo Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, donde nos muestra sus experiencias en las que se encuentra, se traduce, se trasluce, manifestándose a través de una diversidad de colores, formas y texturas.

Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.

Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.

Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.

Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.

Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.

Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.

La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.

Nacida en Buenos Aires en 1963, comenzaron a esbozarse hace algunos años las primeras manifestaciones de lo que es hoy una irrefrenable explosión de color y experimentación a través de la cual siente que canaliza y libera esa generosa intuición que guía su evolución espiritual.

Comenzó su exploración y formación en el taller de Diana Dreyfus, y luego en el taller de Silvia Flichman, quien estimula su participación en diversos eventos de arte.

Cree en el arte, en las corrientes que fluyendo amalgaman procesos creativos compartidos. Trabaja actualmente en varios proyectos de integración de diferentes disciplinas artísticas como teatro-música-pintura; escritura-pintura-danza con la idea de crear una sinergia que sintetice y complete cada vez más la unidad de la que somos parte.

Es una muestra en la que las intuiciones que se gestan en Karina, son guiadas por una inquieta y transformadora energía vital.

Una diversidad de colores, formas y texturas que invitan a jugar, a sentir que cada obra es un nuevo viaje, estarán presente hasta el 26 de Junio de 2009, en este espacio alternativo para los artistas.

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina.

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Eva Manzella "Sensaciones" que provocan mi imaginación.

2009-03-15T02:10:49+00:00

Hipólito, el Restó de la City de Buenos Aires, donde se fusionan la gastronomía con exposiciones de artistas plásticos consagrados y emergentes, abre su calendario 2009 con la obra pictórica de Eva Manzella en una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.

"En el acto de pintar, expresa Eva, pienso en cómo distribuir el espacio de la tela, como si fueran los renglones en donde voy escribir mis palabras, mis manchas; trato de representar mi paisaje interior sin atarme a una estética determinada, utilizando tanto el negro como el color, en un antagonismo en lucha de emociones y pensamientos, una figura que emerge como un gesto, un cuadrado que nos contiene, pero no nos deja ser en nuestra verdadera geometría.

Somos habitantes de nosotros mismos, tratando de romper la barrera que no nos deja estar con el otro. Como penetrar los caminos que esconde la ciudad perdida, invisible, acechante, furiosa, descarnada e intrigante. Estos mundos desconocidos son habitados por mí, y en mi dolor por ellos, para perderles el miedo, para hacerme amiga, quiero sentir que fueron puestos en descubierto, que alguien los vio, que yo los encontré y ahora los conozco.

¿Cómo puedo representar esos mundos escondidos e inalcanzables? Sólo mis sensaciones provocan mi imaginación, mi intuición me guía en la búsqueda estética, no alcanza la información, no alcanza nada."

La muestra, compuesta por trabajos en acrílico y técnicas mixta sobre tela, indaga en sensaciones y estadíos de la conciencia, empleando recursos propios del expresionismo, interactuando entre diferentes realidades, sin renunciar a la plásticidad. Una obra que posee sensualidad y coherencia.

Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.

Texto:

Joan Lluís Montané

Eva Manzella

Fernando Diego Magnalardo / Jorge Omar Vera.

Razas y Colores

2008-12-28T19:45:07+00:00

Elizabeth Eichhorn, de la figura, el rostro, la acuarela, el primer plano.

Centra su atención en la figura, detallándola, realzando aspectos particulares del rostro, pero sin aspavientos, con precisión pero sin la meticulosidad híper, sino con la naturalidad como norte.

Aborda la acuarela con precisión, permitiendo que el color acompañe al dibujo pero sin convertirse en protagonista principal, sino complementario.

Dibuja con buena técnica, especialmente mujeres, niñas, también hombres, de diferentes continentes y culturas.

Sus personajes son retazos de historia, genealogías familiares y étnicas, que destilan raza y trazos, que constituyen formas de atraer la atención al espectador sobre sus orígenes.

Compagina la figura de la mujer, a la que aborda preferentemente de perfil, aunque también de frente, con flores y manchas alrededor del personaje femenino, que realzan su rostro y parte del cuerpo.

En ocasiones prefiere concentrarse en escenas determinadas, donde hay multitud de personajes y la composición posee una actitud abierta general.

Se trata de ir más allá de los límites convencionales, pero, sin dejar de ser clásica en el enfoque.

Centra la atención en el conjunto de la composición, prefiriendo personajes representativos de culturas y países concretos, que destaquen por la pertenencia clara a una determinada etnia por rasgos, ropas y facciones.

Su obra es figurativa, realista, pero, a la vez, posee un planteamiento poético, dulce, donde cabe la suavidad y la compaginación de la armonía con la facilidad para el dibujo.

Su tratamiento de la acuarela es sutil, a base de aguadas controladas, de colores de tonos suaves, en ocasiones más fuertes y evidentes, pero sin causar desestructuración ni excesiva expresividad.

Su intención es presentar una obra pictórica, realizada en acuarela, claramente compensada, clásica, evidente y, al mismo tiempo, consecuente con su voluntad de representar una visión de la belleza y la universalidad.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Envolvente mundo de sensaciones.

2008-10-22T01:35:47+00:00

En su nueva “Serie 2008”, la pintora argentina Stella Mezzadri, capta y expresa estadios del alma y nos conduce, a través de su discurso plástico, a lo que no se dice pero que está explícito.

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Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal.
Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior.
En su nueva Serie 2008 nos muestra el renacer del profundo letargo que la naturaleza envuelve a todos los seres vivos, logrando de esta manera, a través de su laboriosa búsqueda de colores, un producto muy elaborado, donde la luz juega un papel preponderante en la misma, como así también la calidez, la delicadeza, los interesantes cromatismos y las excelentes composiciones, los cuales se conjugan en una sola materia.
Sus composiciones se entrelazan caprichosamente formando vertiginosas figuras definidas por el estado anímico del espectador, incluso fuera de los límites físicos de la obra, pudiendo de esta manera combinar en dípticos o trípticos, como si los mismos hayan sido realizados el uno para el otro, realzando de esta forma la maestría de su obra.
Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu.
Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación.
Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina.
Un sinnúmero de emociones: sensualidad, erotismo, vértigo, paz, logradas a través de su alquimia de colores y un exquisito uso de la luz se podrán apreciar hasta el 3 de Octubre, en Hipólito Restó & Arte con entrada Libre y Gratuita.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
http://www.joanlluismontane.net/

Fernando Diego Magnalardo
Jorge Omar Vera.
Directores: Hipólito Restó & Arte

José Cukier, el lenguaje del ausente y los gritos del silencio

2008-10-21T02:32:23+00:00

Artista plástico y médico psicoanalista, José Cukier siempre ha compaginado ambas profesiones, siendo un creador específico, instalado en la mente y la memoria, en el subconsciente y la dinámica de lo que ocurrió o va a suceder.

La actual exposición titulada El lenguaje del ausente es fiel reflejo de su predisposición a investigar y plasmar aquello que no se ve de forma directa pero que es.

El lenguaje del ausente es una serie pictórica que está basada en personas, gentes que no están entre nosotros y que han sufrido persecución, tortura, represalias políticas, en definitiva, de aquellos privados de libertad en todos sus ámbitos.

Sus obras nos hablan con belleza del alma dolorida, privada de ingredientes y alicientes positivos, pero, que, sin embargo, está ahí. Capta los gritos del silencio, la fuerza de la energía contenida en aquellos que sufren, que les cierran el camino de la auténtica evolución.

Plasma con letras, signos, iconos, con una notable ironía escondida en los pliegues expresivos del color y, también, en los títulos de algunas de sus obras, para poner los puntos sobre las íes desde el punto de vista de una realidad que puede llegar a ser más terrible de lo que nos podemos imaginar.

Sus obras son intensas, de colores contrastados, incendiarios o bien sutiles, pero tristes y melancólicos. También hay ciertas alusiones a lenguajes vanos, a frases ambiguas, a creencias en las que se puede o no creer pero que las plasma en una interrogación.

Exhibe las expresiones de una realidad inquietante, procedente de los desesperados que no están, pero son, cuyas voces resuenan en el desierto, no pertenecen a una nacionalidad concreta, sino que son partes del todo que es el mundo que nos ha tocado vivir.

Su pintura actual es expresiva, planteada dentro de una dinámica abstracta, donde la no forma predomina, pero, dentro de parámetros en los que el creador argentino plasma su intención directa con respecto a aspectos de una árida realidad a la que alude mediante signos, letras, evidencias, insinuaciones e iconos.

Conecta con el sufrimiento, con el no vivir al que sometieron a quienes no están o no estuvieron entre nosotros durante largas temporadas.

Es un creador que conecta con el alma humana, con la faceta del dolor y de la evidencia de lo melancólico, mostrándonos el sufrimiento, el desgarro, la no vida, la desesperación última, la gota de vida postrera de manera bella, es decir pictóricamente estudiada, con todos los matices, con carácter, con la fuerza de quien necesita ser el nexo de unión que comunique ambos extremos del laberinto.

No todo lo que existe está reglamentado, hay muchas energías que se encuentran al margen de lo tradicional normal. Las energías de quienes no están o estuvieron, pero que existen o existieron, siendo personas, muriendo o viviendo como seres humanos. Todo ello expresado con la intensidad de quien se nutre de lo real, positivo o negativo, o bien de ambos, porque los polos opuestos conforman la propia vida. La chispa de la energía es fruto del choque de vivencias e intereses.

José Cukier capta la parte álmica de quienes están ausentes pero son, en línea con la ascensión energética, con la facultad de ser represaliados, pero que, al mismo tiempo, se encuentran posicionados en la dinámica de la lucha vital.

La existencia somos todos, nosotros, vosotros, aquellos, los presentes y los ausentes, cuyos gritos del silencio configuran el lenguaje del ausente que ha plasmado José Cukier en su obra pictórica más reciente.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Argentina

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Enrique Álvarez Aldana, Mujeres enamoradas, geometría y evidencia estructural.

2008-10-21T02:16:01+00:00

Enrique Álvarez Aldana, presenta una serie dedicada a la mujer, que es un homenaje a la evidencia geométrica, a las estructuras que son en sí mismas, porque forman parte de la base, del punto de partida del mundo.

Su posición con respecto a la geometría es sutil, porque, en ocasiones, no se ve, pero está, dado que es el armazón de la célula, el núcleo que aguanta el universo, aunque, en apariencia, no se constata, pero es.
Mujeres enamoradas, mujeres y el amor, el amor de mujer a mujer, la mujer como punto de partida de un discurso que abarca el universo, que es sustancial, base del todo, estructura que alienta la composición en el aspecto de sustentar la fuerza del embate.
En su creación hay evidencia, es decir determinación en la potenciación de lo emblemático, formulación a partir de lo que se considera.
La mujer parte de un todo, que es fragmento en sí mismo, que constituye la fuerza que se compagina con el otro.

Mujeres enamoradas es una serie, elaborada en óleo sobre tela, en la que la descripción y el detalle dejan paso a la estructuración y la geometría en movimiento.
Sus composiciones mantienen la figura femenina, los abrazos de mujer, o bien la mujer con otra mujer en actitudes amorosas y sensibles, sensuales y de deseo. Pero, a la vez, si nos alejamos un poco de la composición, predomina lo abstracto geométrico, de ahí que implemente el color por zonas, marcando el momento, conectando, en este sentido, con el receptualismo ruso, que consiste en realizar una obra figurativa, que, a la vez, es abstracta y geométrica, según uno se aleje o se aproxime.
Lo que está claro es que Enrique Álvarez Aldana indaga en los prolegómenos de la determinación, en lo formulación de la dinámica formal, para profundizar en el detalle, para ir al fondo de la cuestión, narrando lo básico, eliminando detalles superfluos, permitiéndose diversidad de licencias que le conducen hacia la amplificación de un convencimiento plástico que se fundamenta en la manera con que establece las reglas de la estética y la elegancia.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Hipólito Restó & Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

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